entrevistas y artículos por eduardo paz carlson

jueves, 23 de junio de 2011

ENTREVISTA CON EL MAESTRO JULIO BOCCA

versión publicada en O2, 23 de junio 2011. Página 1

abajo:

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ENTREVISTA CON EN EL MAESTRO JULIO BOCCA 14 JUNIO 2011

por eduardo paz carlson

"Gala de Ballet II" 17 de junio- el 28 de junio. De martes a viernes a las 20 horas, los sábados a las 17 y a las 20.30 horas. Domingos a las 14 horas. Entradas a la venta en la sala y Red UTS a $ 90, $ 200, $ 400, $ 500, y $ 600.

Durante años el edificio de lo que hoy es el Auditorio Nacional Adela Reta fue un pozo con escombros y una grúa herrumbrada que se movía según soplaba el viento. En la actualidad el edificio está casi terminado y el Ballet nacional está a punto de salir por primera vez en su historia a una gira por Europa. ¿Cómo ha sido para usted el desafío de llevar adelante esta nueva etapa del Ballet nacional?

En esos años los bailarines realizaron un gran sacrificio por ensayar ya que no tenían el lugar físico que tenemos hoy. A pesar de todo la siguieron remando y esa actitud fue la que mantuvo al Ballet durante esos años difíciles. Hemos tenido que rearmar un repertorio que el teatro ha perdido. Como director artístico esa es mi responsabilidad. Hay muchas obras que nunca llegaron a estrenarse acá y muchas creaciones nuevas para adaptar así que hay mucho trabajo en ese sentido para ponernos al día. Es un desafío hermoso.

En julio es la Gira Internacional del Bicentenario por Europa.

Sí, una parte del Ballet se va para Europa en julio y la otra parte se va a dedicar a la gira por el interior. El 6 de julio salimos para España: Empezamos la gira el 9 de julio en el Espinar de Segovia luego vamos al Auditorio del Escorial, de ahí nos presentamos en “Veranos de la Villa” en el auditorio Conde Duque en Madrid, después vamos al Festival de Rías Baixas en Pontevedra, seguimos en el Teatro Colon de Coruña, enseguida viajamos al sur al Teatro Cervantes en el marco del Festival de Verano Terral en Málaga. Volamos a Italia al Festival Opera Estate en Verona y después volvemos a España y nos presentamos en Cangas de Morrazo en Vigo, luego vamos al Festival de Santiago de Compostela y finalizamos la gira en el festival de Niebla en Huelva.

conferencia de prensa 15 junio

¿Se conoce al Ballet Nacional en Europa?

No, no se la conoce. Nunca antes había viajado a Europa. Se tiene una vaga idea de lo que es la institución SODRE. En el pasado hubo un momento en que la Compañía tuvo un renombre en la región y años atrás, formada parte de un “pool” que formaban el Teatro Colón, el Municipal de Río y otras instituciones de América. Luego del Incendio decayó mucho la actividad. Pero ahora estamos revirtiendo ese estancamiento. Sentí que la compañía empezó a tener un buen nivel y me di cuenta de que estábamos preparados para presentarnos en Europa. Los bailarines se han preparado ensayando y estudiando aquí 7 horas casi todos los días. También tuvimos a bailarines y maestros invitados del exterior que nos han ayudado a crecer como compañía. Con esta gira el Ballet Nacional se va a dar a conocer al público europeo. Los bailarines están emocionados y nerviosos. No conocen el público, no saben cómo responde, no conocen los teatros, el ambiente. Va a ser muy instructivo para ellos. Además, todos estamos muy orgullosos de representar al Uruguay con el Ballet. Tenemos muchas expectativas.

¿Qué ciudades están visitando en el interior de la república?

El año pasado fue increíble, una experiencia buenísima. La gente súper agradecida. Por eso decidimos repetir la idea este año. El 2 de julio comenzó la gira el Auditorio Artigas en Artigas. Estuvimos en Bella Unión; Salto, Young, Trinidad, Mercedes, Carmelo, Colonia y San José. El 20 de julio nos presentamos en el teatro Sociedad Unión de San Carlos; el 21 en el Teatro Municipal de Rocha; el 24 en el teatro Municipal de Treinta y Tres; el 26 en el Teatro Lavalleja en Minas; los días 27 y 28 en el Teatro 25 de agosto y finalizamos la gira Nacional del Bicentenario el día 29 en el Teatro Politeama de Canelones. En total son 17 funciones en 13 departamentos en 24 días. En verano, durante diciembre y enero, volveremos al interior con la Gira de Verano. De todas formas debo señalar que hasta que no tengamos una estructura logística adecuada no seremos capaces de salir con una obra compleja completa al interior por eso siempre se sale con obras que si bien son complejas para bailar son cortas y fáciles de montar. Las grandes producciones siempre se van a ver en Montevideo y para en el futuro no descarto poder presentar ese tipo de producciones en el interior.

¿Está planeando llevar alguna obra grande al interior?
En verano, tal vez en un espacio al aire libre, hacer un “El Lago de los Cisnes” completo. Dependerá si logramos armar la estructura logística que ya mencioné. El público del interior se merece obras de primer nivel.

El próximo viernes 17 de julio comienza la Gala de Ballet II en Teatro El Galpón. El programa es casi idéntico al que van a presentar en el interior y en Europa.

Sí, con la diferencia que incluimos una obra de Vicente Nebrada, “Percusión Para Seis Hombres” Esta obra fue estrenada en 1969. Nebrada es un gran coreógrafo latinoamericano. Para mí es importante tener una obra suya en el repertorio porque es una forma de no perder obras latinas.

¿Y de las otras obras, qué me puede decir? ¿Puede recomendar una para el público que irá por primera vez a ver Ballet?

Todas son especiales para mí y los bailarines pero, puedo recomendar Donizetti Variations del coreógrafo ruso George Balanchine. Fue una de las primeras obras que bailé en Estados Unidos. Dentro de la creación de Balanchine es una de las sobras más fáciles pero al mismo tiempo más difíciles para el bailarín. Para el público es una obra hermosa y sirve como puerta de entrada para conocer otras obras más complejas. También está Adagietto del coreógrafo argentino Oscar Araiz que se estrenó en 1971 y está súper vigente. Y te destaco las otras dos: Tango & Candombe de la coreógrafa argentina Ana María Stekelman en base a tangos y candombes rioplatenses y que es un estreno mundial y Doble Corchea y Nuestros Valses del coreógrafo venezolano Vicente Nebrada. En cada presentación, el deber del Ballet Nacional es presentar obras que sean amables al gran público pero, que al mismo tiempo vayan acostumbrándolo a ver obras más complejas. Nosotros difundimos obras de calidad y en cierta manera, educamos en el sentido de mostrar que se pueden hacer mejor las cosas. La idea es que cuando vengan compañías de afuera, que el publico uruguayo esté preparado para apreciarles y, sobre todo a poder darse cuenta de a calidad de lo nuestro, de nuestros bailarines, de nuestro Ballet Nacional. El espectador uruguayo podrá decir:” Ah, bueno, tenemos una Compañía que hace cosas diferentes y que incluso hace cosas mejores…”

¿Cuál es la relación del Ballet Nacional Con los coreógrafos y compositores contemporáneos uruguayos?

verisón publicada en O2, página 2

Estamos totalmente abiertos a todas las ideas y propuestas. Escuchamos y valoramos todo. El tema es que en este primer año he debido reorganizar la compañía y plantar las bases para luego comenzar a explorar nuevas ideas. El año que viene estrenamos una obra de Martin Inthamoussu, que es un coreógrafo uruguayo de danza contemporánea muy interesante. Yo recién estoy conociendo el medio musical uruguayo en profundidad. Todavía no he tenido tiempo para dedicarme a explorar todo lo que sé que hay por ahí. Sé que hay cosas muy interesantes. A Inthamoussu lo llamé porque yo le había pedido una música para ballet a Jorge Drexler y quería un coreógrafo uruguayo. Martin está construyendo su carrera como coreógrafo internacional en Venezuela, en Alemania y en otros países. Conecté a Martin con Jorge y les dije: “no quiero ver nada… ustedes armen algo…” Obviamente, voy controlando la obra, ellos piden mi opinión pero es una opinión técnica de danza la que doy, no quiero cambiar nada en sus creaciones. Al final, la obra se montó y quedó muy buena. Hay algunos detallitos que todavía falta ajustar pero estamos muy contentos. Por ahora no tiene titulo la obra. Se estrenará el año que viene. A raíz de este tipo de colaboración entre un compositor y un coreógrafo ya van surgiendo otras y más búsquedas de músicas y coreógrafos. Ya tenemos algunos proyectos en estudio pero no puedo adelantar nada. Lo que hay que tener en cuenta es que cualquier obra o coreografía que reciba ahora recién sería realizada a partir del 2015 o 2016. El SODRE está abierto a todos los creadores uruguayos tanto coreógrafos como compositores. Estamos para eso, es nuestra función difundir la cultura de nuestra gente y de nuestra época. Somos una compañía que siempre va a presentar los grandes clásicos de la danza pero también nos vamos a dar el gusto de experimentar, de invitar a bailarines y coreógrafos de diferentes partes del mundo.

¿Actividades para lo que resta del 2011 y lo que pueda adelantar para el 2012?

En septiembre hacemos El Corsario completo (es una obra en 3 actos) de Joseph Mazilier y basada en un poema de Lord Byron. En diciembre, presentaremos una producción nueva, creada acá para Cascanueces de Tchaikovski. La coreógrafa es Silvia Bazilis una ex primera bailarina del Teatro Colón; el vestuario es de Nelson mancebo y la escenografía es del argentino Gastón Joubert que ya ha trabajado acá en ópera y ballet. La idea es que todos los diciembre se hagan funciones para los chicos y familias, etc. Además va a estar Martín López Romanelli, integrante de Bosquimanos Koryak, en el manejo de muñecos. Eso va a ser una experiencia diferente para el público uruguayo. Como invitados tendremos a Avetik Karapetyan, que ya estuvo el año pasado para El Lago de los Cisnes; José Martin Trujillo, solista del Royal Ballet pero que viene a bailar en El Corsario y como asistente de coreógrafo; viene María Riccetto, solista del American Ballet (también para El Corsario). Y en 2012 tenemos la obra “Whithout Words” de Nacho Duato y "Leaves Are Fading" de Anthony Tudor. Y en ese programa (junio de 2012), se estrenará la obra de Inthamoussu y Drexler. Después tenemos la Viuda Alegre de Ronald Heim . También se está organizando una gira por México, Colombia, Perú, chile, etc.

¿Se van renovado los estudiantes, hay interés en la danza entre los jóvenes uruguayos?

conferencia de prensa, 15 junio, foto 2

Muchísimo interés. Se va renovando la plantilla. El 5 de noviembre realizamos otra audición. Todos los años realizo audiciones internacionales. Los interesados se van anotando por las páginas en internet. Este año exigí que tuvieran el bachillerato terminado porque la idea es que no dejen la educación. En algún caso podemos ver cómo ayudarlos para que lo terminen bien.

¿Cuanto le falta al Ballet Nacional para ponerse a la par de las mejores compañías de danza en el mundo?

Dentro de la región es una compañía que está bien parada. Por supuesto que le falta repertorio, le falta experiencia de repertorio armado por la propia compañía y también le falta estructura de apoyo logístico y técnico. Todos estos temas se van solucionando. Es un proceso que empezamos recién hace un año.

¿Se ha integrado a la vida uruguaya como uno uruguayo más? ¿Le gusta vivir en Montevideo?
Totalmente integrado y feliz de vivir acá. Vivo acá y me roban acá, igualito que a todos…

DATOS del espectáculo
TANGO & CANDOMBE:

Estreno mundial

Coreógrafo: Ana María Stekelman

Primera figura: Walter Lateulade

Música:

1- Armando la llamada, Cuareim 1080

2- El Abrojito, 1926, Berstein & Fernández Blanco, intérprete , lagrima ríos

3- El temblor, Pintín Castellanos, intérprete Juan D´Arienzo

4- Candombe lento J.Fravega & A. Pereda

5- Tango relámpago, Cordón

6- Tirando a matar, P. Castellanos, Intérprete J. D´Arienzo

7- A media luz, E. Donato& C.C. Lenzi. Intérprete, J. D´Arienzo

8- La Cumparsita G Matos Rodríguez

9- Araca París, R. Collazo & C.C: Lenzi. Intérprete, J. Sosa

10- Vamo´Arriba, Cuareim 1080

Diseño vestuario: Jorge Ferrari

Iluminación: Fernando Scosela

domingo, 19 de junio de 2011

FLEET FOXES: LA CELEBRACIÓN DEL CANTO

versión publicada en El Observador, O2, domingo 19 junio, 2011

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por Eduardo Paz Carlson

Luces cálidas, ambiente sereno, algo misterioso. Salen a escena, parecen confundíos, algo torpes. Visten ropas de gente común: vaqueros gastados, botas reventadas por años de uso: no tienen el look de rock stars. Robin Pecknold, vocalista líder y compositor de la banda, que con su barba y pelo revuelto parece un granjero ermitaño de los Apalaches, saluda con un gesto a la audiencia se acomoda nerviosamente la guitarra y sonríe. Amaga empezar a cantar. La audiencia trata de reprimir su ansiedad por escucharlo. Desde el fondo se escucha un coro, solo voces,nada de instrumentos… pero el público reconoce el tema Bedoiun Dress (de su nuevo disco, Helplessness Blues) se deja llevar jubiloso. Cerca de Pecknold, Skyler Skjelset, el guitarrista principal, con aire nerd universitario espera la señal para arrancar con sus acordes. El comportamiento en vivo de estos músicos no tiene nada que ver con el histrionismo histérico y de las bandas rockeras ni la actitud distante y cerebral de los jazzeros. Les interesa la música tocan, no buscan efectos ni trucos para impresionar a las audiencias.

Tienen demasiadas canciones para ofrecer como para perder tiempo con artificios.

Amigos desde la secundaria, Robin y Skyler, congeniaron inmediatamente por su mutuo interés por músicos como Bob dylan, Brian Wilson, Neil Young y muchos otros cantores folk estadounidenses. El pop-rock comercial de los 60tas, las experimentaciones de la música psicodélica y las grandes bandas progresivas también influyeron en las composiciones de estos jóvenes oriundos de Oregon. En 2008 publican el EP Sun Giant (con 5 temas) y poco tiempo después lanzan su primer álbum, Fleet Foxes. Enseguida se empiezan a hacer notar en los círculos de de la música Indie.

La alegría de cantar

Fleet foxes es un grupo de veinteañeros que se encuadra perfectamente en la tradición más puramente anglosajona del arte de cantar en comunidad. Los niños estadounidenses se inician en esta tradición desde que nacen, prácticamente. En casa hay un órgano o piano. Se canta en las ocasiones festivas. En la escuela. En el liceo cada estudiante aprende a tocar un instrumento, se crean bandas. Cada domingo en la iglesia se reúne la congregación para cantar. Cantan juntos, reafirman lazos. En los estadios de Baseball, en el descanso de la séptima entrada, se canta el himno que, además, es un himno muy cantable. Hay canciones por todas partes, la gente canta, celebra la vida.

Fleet Foxes surge de esta tradición cantoral. Al escuchar sus canciones se detectan claramente distintas etapas de la música anglosajona de los últimos 60 años. Está el folk seco y duro de los campesinos pobres de la “America” profunda en Red Squirrel /Sun Rise o el blues blanco y doliente de Oliver James. Aparecen salmos en Sun Giant. Surgen coros al mejor estilo Beach Boys o de la legendaria agrupación Crosby Stills Nash & Young en las canciónes The plains/Bitter Dance o White Winter Hymnal. En la instrumental The cascades se reconocen guitarras de los álbumes Foxtrot o Trespass del Genesis de Peter Gabriel o las brumas del grupo experimental Popol Vuh que Werner Herzog tanto utilizó para musicalizar sus películas. En Meadowlarks o Crayon Angels o Someone You'd Admire, se desliza una gozosa melancolía por algo perdido y se diría que es uan canción Cat Stevens pero no, es diferente: hechizan unos coros arcanos que dejan al oyente en vilo. En Your protector, parece que se está escuchando la banda sonora de una serie televisiva de Cowboys.

Las canciones de Fleet Foxes mueven emociones diferentes y hondas: se puede querer bailar con un pop sexy y juguetón de In The Hot, Hot Rays, celebrar la vida descaradamente en Ragged Wood o expresar el anhelo desesperado por un amor en Helplessness blues o liberarse de preocupaciones con la juvenil alegría veraniega en Mykonos…

Son canciones para cantar y cantar.

Armonías y letras.

En una entrevista reciente, un periodista les preguntó a Pecknold y a Skjelset: “¿Quién escribe las armonías?” Los músicos se miraron entre sí, y tratando de disimular la sorpresa y casi al unisiono respondieron: “nadie, no las escribimos, nos salen solas…”

Esa es la clave de Fleet Foxes: armonías cantables. Tan cantables que el oyente se sorprende cantándolas naturalmente por qué no son artificiales, surgen desde adentro y agradan al cantor. Armonías vocales que recuerdan a la banda Yes entrelazándose con flautas melotrónicas y saxos muy del álbum Islands de King Crimson o arreglos de cuerdas al estilo de Bjork como en The Shrine / An Argument.

Y las armonías se le suman letras simples pero profundas y luminosas que hablan de amores que son como huertas y mundos estresantes que marean :

Fragmento de helplessness blues:

(…)If I know only one thing
Is that everything I see
of the world outside is full of such wonder
that often, I barely can speak

Yeah, I'm tongue-tied and dizzy
and i can't keep it to myself
what good is it to sing helplessness blues?
Why should I wait for anyone else

And I know, I know you keep me on the shelf
I'll come back to you someday,
soon, myself

If I had an orchard,
I'd work til I'm raw.
If I had an orchard,
I'd work til I'm sore.

And you would wait table til you ran the store

oh oh ohh

If I had an orchard, I'd work til I'm sore

lunes, 13 de junio de 2011

ENTREVISTA CON NICO MORA & FERNANDO GOICOECHEA 3 junio2011

por Eduardo Paz Carlson

martes, 31 de mayo de 2011

JOSÉ SACRISTAN CAMINANDO CON MACHADO

ENTREVISTA CON JOSÉ SACRISTAN 25mayo2011

por Eduardo Paz Carlson para El Observador

Versión full sin editar

1- Sobre la situación en España

Usted que formó parte de la generación que lideró la salida del franquismo y que luego ayudó a establecer la democracia en España, ¿qué piensa de esta revuelta popular, mayoritariamente juvenil de “Indignados” contra la clase política y pidiendo un nuevo tipo de democracia?

Me parece muy interesante que me hagas esta pregunta porque como puedes imaginar, estoy bastante inquieto. Lo que está pasando hoy en España era algo que era de prever. Real y tristemente se ha ido adormeciendo, anquilosando mecanismo político, la dialéctica pero tanto de unos como de otros, que conste. Era lógico y natural que esta revuelta ocurriese tarde o temprano. Lo que me preocupa es que tengo serias dudas de que esto llegue a calar de verdad, de que impregne el mecanismo de la acción política y que la haga modificar o cambiar. Tengo mis dudas. Pero lo considero muy saludable y que está muy bien que ocurra. Pero permíteme que te haga una observación: fíjate cual ha sido el resultado de las elecciones. Conviene sentarse a analizar esto serenamente. Qué número de personas estiman que ya está bien esta putrefacción del juego político y por otro lado hay millones que deciden avalar comportamientos corruptos, como en el caso de Valencia y en otros sitios, y legitimar total y absolutamente esas prácticas. Mientras unos gritan porque se sienten “indignados” con la clase política otros se vuelcan masivamente hacia la derecha. Habrá que esperar un poco para entender este fenómeno. Esto está pasando ahora y en el marco de una crisis que no afecta solamente a España, claro, afecta a toda Europa y al mundo. La situación no es muy divertida para mí.

Estos jóvenes son rebeldes, son pacíficos, por ahora.

Sí, confiemos en que sigan así, hombre, si se trata de tomar el Palacio de Invierno me parece que la aventura está descartada de ante mano. Entonces, creo que todo lo que se ha de hacer se haga pacíficamente.

¿Hay una fractura en la sociedad española actual? Porque por una parte, como usted dice hay millones que apoyan fervientemente a la derecha y por otra parte millones que se sienten totalmente al margen del sistema político español, están indignados, hartos gritan por un cambio.

Sí, pero no son tantos millones los que se dicen indignados. No creo que haya una fractura, no. Bueno, ya me gustaría que el levantamiento hubiese sido de millones. Insisto en que hay que ver como se compartan en el futuro como se desarrolla esto y analizar este momento con el resultado de las elecciones. Son las 2 caras de esta situación. En realidad esto era un grito que ya se escuchaba. Habrá que esperar a ver qué diablos pasa.

Usted es un viejo rebelde, “viejo” en el mejor sentido, me imagino que se identifica con este nuevo movimiento, se entusiasma.

Sí, no… ¡En el buen sentido y en el real, el cronológico! ¡Pero claro que me identifico con esta juventud que se rebela y protesta, claro! Pero lo que sí te digo es que yo no sé si estas manifestaciones han conseguido que la derecha -que está mucho más militarizada, son un poco mitad monje, mitad soldado de José Antonio Primo de Rivera- se preocupe al menos, porque lo que sí han logrado es que el nivel de participación social y en las urnas ha aumentado. Tal vez, la derecha, que está mucho más organizada, se haya volcado más a sus militantes impulsándolos a participar más como reacción ante esta protesta juvenil porque su electorado tiene la fidelidad del militar o el sacerdote ¡y además todo esto viene a producirse al final de la campaña electoral! Fascinante momento.

¿Y los artistas, qué deberían hacer en estos momentos de revuelta, sumarse, colaborar?

Los artistas, los fontaneros, los abogados, los campesinos, en fin, que cada uno haga lo que le comprometa como ciudadano, que cada uno haga su labor lo mejor posible. Obviamente, el trabajo e artista tiene una gran repercusión pero el que haga películas que las siga haciendo bien, el que escriba que escriba bien, el que pinte que pinte bien y que luego que salga a la calle o que vote o que haga como ciudadano lo mejor para el país. Cada uno debe, desde su lugar, tratar de hacer mejor su trabajo.

¿Cómo ve la actitud del Rey Don Juan Carlos en estos momentos de crisis y cambios?

Ojalá dentro del panorama político, muchos políticos de derecha y muchos que se dicen de izquierda cumplieran con sus obligaciones como cumple la casa real, es así, te lo digo sinceramente. Hay mucha gente que se llama de izquierdas que le hace muchísimo más daño a la izquierda de lo que le hace la presencia del Rey. Tanto el Rey como su mujer y sus hijos están ahí cumpliendo su papel a cabalidad, vamos, ¡que se ganan el sueldo! No como otros políticos…

2- Sobre el espectáculo del 31 de mayo en el Solís.

¿Primera vez en el Teatro Solís?

¡La verdad es que estoy acojonado, la verdad! Sí, porque… joder, ¡vaya teatro!
Y un espectáculo así en principio es para un formato no tan ambicioso, un recinto no tan grande. Va ser un hermoso desafío para mí. Espero no defraudar al publico uruguayo que se está mostrando tan interesando con esta presentación.

¿En qué consiste este show, “Caminando con Antonio Machado”?

El show dura 1 hora y algo. Se me ocurrió echando mano de lo último que escribió Don Antonio, “Estos días azules y este sol de la infancia…” hacer un recorrido a la inversa desde Collioure hasta Sevilla utilizando como puentes temas musicales y parte de su obra, la más íntima, la más social, la más descriptiva y hacer ese viaje de vuelta que nunca pudo hacer Antonio Machado. El espectáculo es exactamente el mismo que voy a presentar en Buenos Aires.

¿Cómo surgió la idea de venir al Solís con este espectáculo?

En estos días estoy en Argentina rodando la película “El muerto y ser feliz”, con el director Javier Rebollo y con la actriz uruguaya Roxana Blanco. Le comenté a un amigo “esto lo hago yo en España” y él me dijo “bueno, vamos a moverlo aquí” y hubo interés y allí estaré el próximo 31 de mayo.

Sube el telón… ¿Estará solo en el escenario?

En principio, no sé si se abre el telón o estará ya abierto. Yo hago una convención con unas prendas en una silla que son el gabán, el sombrero, las gafas, el bastón. Es la convención de ser un poco yo y un poco Machado.

No es poseía declamada o recitada, ¿va a actuar los poemas?

Es una lectura dramatizada. ¿Actuar?, un poquillo, sí.

¿Habrá música?

Facundo Ramírez, el hijo de Ariel Ramírez me acompañará al piano. En España me acompañaba con música más española (Albéniz, Mompou, entre otros) por decirlo de alguna manera pero aquí, a sugerencia de Facundo, hemos elegido agregar aires, canciones, melodías más cercanas a la sensibilidad del Río de la Plata.

¿La escenografía?

Nada más que un ciclorama con el que vamos pasando de los azules a los dorados y un piano y un atril y una silla con unas prendas.

¿Qué poemas de Machado va a recitar-actuar?

Está “Al olmo viejo, hendido por el rayo y en su mitad podrido…”, todo lo relativo a Guiomar, Soria, al paso por Segovia, por Valencia, en fin, está Don Antonio en toda su profundidad.

¿Prepara el cuerpo para recitar durante más de una hora?

Aah, no… yo, cómo decía Pedro López Lagar, “¡me pongo la gorra y salgo!” Ya son muchos años de escenarios.

Artaud decía que el actor es una atleta de la afectividad. Lo quería agarrar por ese lado pero veo que no…

No, hombre, no… En mi caso, todo lo contrario de un atleta, nada más lejano… ¡Soy un canijo, me defiendo como puedo!

¿Usted siente a la platea, al público, lo siente reaccionar o está en su mundo mientras actúa?

Depende de mí y de quien esté en la platea. Puede que tu lo hagas merezca la atención de la gente, puede que no. He notado una corriente que viene desde la platea, sí, eso se siente bien, otras se siente no tan bien porque puede que alguien me mire con cara de que no le gusta un carajo lo que estoy haciendo, de eso me doy cuenta, lo percibo claramente.

¿Y cómo le afecta cuando pasa eso?

¡Jode! Hombre… Jode… jajaja … pero bueno, esas noches uno aprende.

¿Va a haber algún diálogo con el público, en el sentido de que va a explicar los poemas, decir los títulos, contar historias?

No, no, no. No estoy para didactismos, no. Además, Don Antonio está ahí, no necesita presentaciones ni explicaciones.

¿Va a aceptar algún bis?

Están preparados algunos, por si acaso. Pero no te digo más… serán sorpresas.

¿Luego de este show, cuales planes tiene?

Vuelvo a España y tengo en vistas un evento de Teatro, el Festival de Teatro Clásico de Almagro. Es sobre El Quijote y Cervantes pero no puedo adelantar mucho más.

….

RECUADRO AMBIENTE POÉTICO EN ESPAÑA HOY

¿Cómo está el ambiente poético actual en España?

Pues hay un ambiente poético formidable. Se nos han ido José Ángel Valente y Ángel González pero hay poetas formidables como Pedro García Montero y un panorama poético español muy interesante. Internet ayuda mucho a difundir la poesía porque sabemos que la poesía no se lee como se lee el fútbol y las nuevas tecnologías, las redes sociales acercan a los poetas a las nuevas generaciones con una estética actual.

En el año 1985, la banda Golpes Bajos, en plena Movida Madrileña, cantaba “Malos tiempos, para la a lírica…” ¿Han mejorado los tiempos para la lírica, la poesía?

Creo que esta crisis económica-financiera que estamos padeciendo es algo más, es una crisis moral. Esta crisis está poniendo al descubierto un montón de cosas que pensábamos que tenían un perfil, cosas que creíamos de una manera y que hoy ya no lo son tanto. Ojo, no quiero apuntarme a la lista de los catastrofistas que pontifican y joden con las predicciones negativas… ¡hay que seguir adelante, hay que seguir viviendo! Ojalá que esta crisis sirva para depurar, para corregir, para aprender de los errores. Por suerte la poesía no está sujeta a las leyes del mercado.

¿Puede cambiar el mundo la poesía?

¡No, rotunda y radicalmente, no! ¡Podre del poeta que quiera cambiar el mundo! ¡Los poetas que hagan poesía! No te equivoques: al mundo lo cambian los tanques, los bancos, los hechiceros de la tribu, los que van proponiendo “la verdad”…no, no... Fíjate qué vergüenza para nosotros si la poesía tuviese capacidad para cambiar el mundo: ¿Mira lo que hemos logrado cambiar con la poesía? Muy poco…

¿Y de poetas sudamericanos que le interesen?

La formidable poetisa argentina Mónica Rolandelli, que además es psicoanalista me ha impactado mucho con sus versos.

¿Y algún poeta uruguayo?

¡Ahí me pillas! Fuera de Benedetti, ¡me pillas en calzoncillos!

Eduardo Paz Carlson, 25 mayo 2011

viernes, 27 de mayo de 2011

Lucía Severino: nuevo talento del pop experimental uruguayo

ENTREVISTA CON LUCIA SEVERINO 19 MAYO 2011

por EDUARDO PAZ CARLSON

La cantante uruguaya Lucia Severino junto a su banda presenta su espectáculo musical multimedia Tránsito, proyecto ganador de los Fondos Concursables del MEC en el año 2009.

En pocos días se presenta junto a su banda en Las Piedras y Canelones.

Sí, 27 de mayo en al nuevo auditorio de las Piedras, el auditorio Bicentenario y el 28 en el politeama de Canelones. Nuestra propuesta se llama Tránsito y es un espectáculo multimedia, o sea, la banda en pleno más imágenes proyectadas al fondo del escenario: Al sonido en vivo de la banda en el escenario se le irán sumando sonidos pregrabados por mí en estudio y otros sonidos lo voy preparando en el momento con filtros y demás. Según el momento e cada tema los iré disparando desde mi computadora. Juego en vivo con el sonido. La idea es que se dé un diálogo entre la música y la imagen. Para cada tema hay diferentes sensaciones visuales y sonoras. No son imágenes que se refieren literalmente a las letras o a las canciones, son complementos a la experiencia escénica en vivo que ofrecemos a las audiencias. El espectador puede hacer foco en distintas cosas, hay movimiento visual y sonoro y emotivo. Es el mismo programa para los 2 conciertos.

¿Hay un concepto que guía el show? ¿Porqué Tránsito?

El concepto de Tránsito es que nada es duradero, que todo evoluciona en nuestras vidas. Las canciones mismas vana evolucionando cuando las tocamos. Es algo vivo, Transito expresa esa vitalidad de lo

cambiante de lo que se renueva. También es el concepto de nuestra banda, de la muisca que tocamos: está en Tránsito, no es una solo estilo. Nuestra música está en movimiento, es ecléctica y abierta. Hay un poco de candombe, de rock, de pop, del folklore latinoamericano, pero también hay muchas sonoridades de la electrónica, de vida diaria y de la naturaleza que se escapan de cualquier etiqueta musical. También uso la palabra hablada que es una forma de decir las letras que no es ni recitado ni el hip-hop pero que es una forma de hablar la palabra con una base que te va marcando. En el espectáculo vamos desde momentos muy íntimos a momentos en que la banda suena fuerte.

¿Destacaría alguna canción en especial?

La base musical, el fuerte del espectáculo es la canción, eso es lo que importa. Más que en lo formal en el transmitir algo a través de la letra. Las letras condicionaron las músicas. No sigo recetas compositivas, fluyo. Las estructuras de mis canciones a veces son bastantes raras aunque hay elementos típicos de la canción como coros. Fernando, el baterista mete muchas voces en los coros. Hay partes del repertorio que son fundamentales en el concepto de Tránsito. Por ejemplo, el tema “Los días” (que está en la página de MySpace) que se abre con un piano que podría llevarte a un piano de candombe pero aparece una base rítmica que te saca de ahí al mismo tiempo la letra te va diciendo la idea del transcurrir que cada uno tiene en la vida, de lo que te viene, de los se te va, de lo que no te olvidas, de lo que te olvidas. Es esa idea de continuo movimiento en nuestras vidas. Reflejan nuestras experiencias, las de nuestra generación. Andamos en los treintayalgo.

¿Influencias, cantantes que la inspiren?

¡Muchas! Por ejemplo: Nina Simone; me gusta mucho el dúo de las francesas Coco y Rosie Casady, Cocorosié que hacen una cosa muy extraña; Bjork me encanta; PJ Harvey también es más roquera pero igual está buenísimo. Me gustas cosas muy distintas desde el pop hasta loe experimental y de ahí sale lo que hago, supongo.

¿Quiénes integran la banda?

La banda está compuesta por Álvaro Pacello en bajo y coros, Fernando Servian en batería y coros,
Marcelo Zen en guitarras y yo en voz, teclado, samples y acordeón. El arte visual, las proyecciones, imágenes está a cargo de Omar Izaguirre. No es una formación de creación colectiva. Las composiciones y las letras son todas mías. Las imágenes (animaciones, fotografías, dibujos, etc.) han sido todas generadas y producidas por nosotros y siempre armado por Pacello que es el artista visual. Cada Temas tiene sus imágenes, su historia visual y que están ligadas por una lógica, un hilo conductor un poco abstracto a veces pero que transcurre y va cambiando tema a tema.

¿Tiene nombre la banda?

En realidad no, pero se nos fue quedando Tránsito, la gente nos va conociendo pro ese nombre. Somos amigos, nos conocemos hace tiempo. Al principio fue que yo los iba a escuchar y siempre me quedaba como pensando deberían tocar así, o hacer arreglos así y al final los convoqué para esta propuesta, para esta idea de Tránsito y a partir de ahí fue evolucionando todo. Las canciones salen de mi cabeza pero luego hay un aporte importante de cada uno y eso muy bueno. Yo soy medio indefinible pero cada uno de los integrantes tiene algo muy suyo que enriquece mucho las canciones.

Todavía no han publicado un disco, ¿hay planes de grabar algo?

Sí. Estos conciertos nos están ayudando a evaluar el material. Tenemos pensado grabar un disco este año. Estoy presentando varios proyectos. Tránsito es un proyecto ganador de los Fondos Concursables del MEC en el año 2009. Esto significó una gran ayuda para nosotros porque nos proporcionaron los fondos necesarios para armar el show. El MEC nos exige justificar los gastos y hacernos responsable de que se cumpla. Los conciertos del 27 y 28 mayo son de entrada gratuita y son la presentación del proyecto concretado.

Ustedes son todos oriundos de la ciudad de la costa ¿Cómo ve el ambiente cultural y musical en esta zona de Canelones?

Desde la escuela nos enseñan que somos una ciudad dormitorio de Montevideo lo cual no me parece bien. Nos quieren hacer creer que no tenemos identidad. Acá hay muchas bandas y grupos de teatros. Peor la difusión es muy precaria. Por ejemplo: en el centro cívico de la costa, esta construcción gigante que se está haciendo sobre la av. Gainnattasio, el teatro que se construirá allí va a mejorar mucho la actividad cultural de la zona. Por suerte en Las piedras y Canelones hay lugares para tocar. Somos canarios pero para ir a nuestra “supuesta” capital tenemos que pasar por Montevideo. Recién ahora hay una ruta que nos conecta más directamente pero en casi todo el resto tenemos que ir a Montevideo. A la gente de la ciudad de la costa nos tratan como si fuésemos a-culturales, como que no existimos. Los artistas de la zona debemos empezar a generar más eventos regionales. Y creo que en el ambiente de la música se está empezando a ver un cambio en este sentido, ya muchas gente haciendo mucha música nueva. Peor necesitamos difusión.

¿Las radios locales no difunden?

Escuchan los demos y dicen: “Está muy bueno, pero e s medio raro” ¿Y qué si es medio raro o diferente? ¿Qué tiene de malo? Para difundir nuestras músicas lo mejor ahora es Internet, por facebook, por myspace. Las radios locales y montevideanas les cuesta pasar música nueva o cuando a ellos les parece que” no es normal”. ¿Qué quieren? ¿Qué todo sea igual, cual es la idea?

Por EDUARDO PAZ CARLSON , 19 mayo 2011.

El Templadismo y La Nueva Simplicidad de Daniel Drexler

ENTREVISTA CON DANIEL DREXLER 12 MAYO 2011

versión completa sin editar

Por Eduardo Paz Carlson entrevista freelance vendida a El Observador

Más abajo vea la versión publicada en el suplemento O2 .

El cancionista montevideano habla sobre el concierto del 27 mayo en El Tartamudo, El Templadismo, Brasil, sobre Mar Abierto -su próximo disco- y explica la nueva simplicidad de sus creaciones

¿Qué músicas va a presentar el 27 de mayo en El Tartamudo?

El próximo 1 de junio lanzamos el disco Micromundo en Brasil, en el Teatro Sao Pedro de Porto Alegre. El concierto del 27 es como una despedida del público montevideano. Me presento con la banda completa: Federico Righi (bajo), Daniel López (piano), Javier Cardellino (percusiones), Eduardo Mauris (guitarra eléctrica). Voy a tocar temas Micromundo y algunas canciones nuevas. Va a estar muy bueno.

¿Qué banda lo acompañará en el Sao Pedro?

La misma que el 27 pero sumando a Ángelo Primon en sitar y viola caipira. Además tendré como invitados a Richard Serraría, un rapero muy bueno, Zelito (Zelito Ramos Souza), cancionista y guitarrista (y violinista) luminoso con quien estoy preparando canciones a dúo para mi próximo disco. También va a estar el también cancionista Macelo Delacroix con quien ya trabajé en el proyecto Montevideo-Porto Alegre sin Fronteras. Luego viajo a argentina, Colombia ecuador, Perú, y en panamá. En setiembre vuelvo a España a Barcelona al festival Barnasants. Además, en estos días estamos en contacto con Pere Camps el director el festival ya que tiene intenciones de cerrar la próxima edición el festival en Montevideo en abril del 2012. Pero lo inmediato para mi es Brasil.

En Brasil su música está teniendo gran difusión.

La cosa en Brasil se puso bastante linda. Ya el año pasado hicimos un proyecto muy grande con Vítor Ramil y la Orquesta Filarmónica en el Teatro do SESI de porto Alegre y también tocamos con entradas agotadas en el teatro SESC de Vila Mariana de Sao Paulo. Debido al éxito la productora decidió lanzar Micromundo con todo en Brasil ya que el público allá nos recibe con tanto cariño. Comenzamos a ser conocidos en el área de Sao Paulo pero ahora nuestra música está llegando a todo el Brasil.

Brasil vive como en un mundo propio con respecto al resto de América. ¿Musicalmente, por el Sur parece estarse abriendo más?

Brasil tiene una identidad muy poderosa. Yo en particular y creo que la mayoría de los músicos uruguayos son admiradores de su cultura. Hay una cosa muy fuerte. Histórica, geográfica, política.

Fuimos parte del Brasil en una época, eso nos marcó. Con argentina es más de raíz. También puede ser una reacción de escapismo a ser tan parecidos a los argentinos entonces afirmamos más nuestra identidad pareciéndonos más al Brasil. Se están proyectando hacia el mundo en todas direcciones y se están interesando cada vez más en nosotros, culturalmente, sobre todo los artistas del sur del Brasil. Su vía de comunicación más clara con el resto de América del sur es a través del sur, a través de nosotros. Uruguay es el país de América del sur que mejor entiende el universo brasilero.

¿De esta interacción cultural surge “el Templadismo”? ¿Qué es “el Templadismo”?

Daniel Drexler en su estudio, mayo, 2011. Foto eduardo paz carlson

El Templadismo es un descripción de lo que pasa en lo cultural en esta región de América. Hay una región de clima templado que abarca gran parte de la cuenca del Rio de la Plata o sea, el sur del Brasil, Entre Ríos, Santa Fe, Parte de Córdoba, Corrientes, Misiones y toda la Pampa Húmeda argentina que es el Mapa de la Milonga, (también el del Mate) tiene una identidad cultural clarísima. Es la identidad saltando 3 fronteras políticas y una frontera lingüística que me parece muy interesante y que estuvo muy marcada por todo el proceso de independencia de los países de esta zona donde cada país quiso marcar que era un país diferente con señas propias. Ahora, 200 años después podemos reconocer sin miedo a perder identidad que somos muy parecidos. Culturalmente somos una unidad, eso es innegable. Empecé inocentemente a jugar con esa idea. Entre en contacto con escritor y músico de Pelotas, Vítor Ramil que estaba escribiendo sobre “la estética del Frío” y de cómo el sur del Brasil estaba más ligado a esta cuenca que te mencionaba que al resto del país. Ramil tiene un abordaje muy parecido de los temas folklóricos a los que puedo tener yo, mi hermano Jorge, Ana Prada o Martin Buscaglia o Kevin Johansen. El rol que cumplieron los Tropicalistas en su momento, el lo hace con esta zona templada en clima y en emociones. Kevin empezó a hablar del “Subtropicalismo” como otra forma de nombrarlo. Con el tiempos e ha ido armando una idea de lo que hacemos muchos músicos de la zona. El darnos cuenta de que hacíamos cosas similares, que compartimos una estética y una forma de ver al mundo fue provocando, catalizando encuentros multidisciplinarios riquísimo que siguen, por supuesto, hoy en día y tal vez con más fuerza que nunca. Es como una agitación cultural y también de un análisis intelectual, no diría teórico pero si de una exploración de este fenómeno cultural, musical y poético o que nos va empujando hacia algo. Templadismo lo llamamos ahora, no sé en el futuro como lo denominarán.

¿Pero puede explicarlo en términos estéticos más precisos?

Es dinámico. Se está construyendo sobre la marcha. Es un viaje, lo más importante, como dice Ramil, es el viaje mismo en el que estamos, no hacia dónde vamos.

En el proceso de generación de canción se reflejan varias cosas que yo sospecho que tienen que ver con el clima, la geografía, la topografía, la demografía. No hace ni mucho frio ni

mucho calor. La luz no es tan estridente como en los trópicos ni tan fría como en Ushuaia. Somos gente de busca los términos medios. Nuestras letras no reflejan grandes alegrías como se ven en la música tropicalista, no planteamos grandes certezas. También nos moldeó como sopla el viento suena el viento cuando sopla sobre nuestras tierras, a los rumores de las lluvias pero, así mismo, somos hijos de las conglomeraciones urbanas, es más, yo diría, que principalmente, es una visión urbana de nosotros mismos y de nuestro folklore. Abordamos los temas folklóricos con una visión urbana actual.

¿Entra el Pop, el rock en el Templadismo?

Por supuesto. Entra todo lo de nuestra época. Somos muy abiertos. No tenemos un regionalismo cerrado o tradicionalista. No nos interesa a ninguno de nosotros generar compartimentos estancos ni nacionalismos intolerantes.

¿Es un movimiento el Templadismo?

De ninguna manera es un movimiento. Que eso quede muy claro, por favor: no somos un movimiento organizado ni nadie tiene pedir permiso para nada, o sea, Yo no le voy a estar pidiendo carnet de pertenencia a nadie. Esto es “algo” dinámico y absolutamente abierto. Cualquiera puede aparecer y aportar. Es un abrevadero abierto a todos. También es una búsqueda. Por ahora, el templadismo no es un movimiento, es una idea, un montón de rasgos en común que descubrimos al charlar entre nosotros, al tocar juntos. Nada más.

¿Cuándo se refiere a “nosotros”, a quienes se refiere?

Bueno, a los músicos que me acompañarán en el show del 1 de junio en Sao Paulo, más los brasileños Pirisca Grecco, Mario Falcao. En argentina puedo destacar a Lisandro Aristimuño, Pablo Gringot, Tomi Lebrero, Kevin Johansen. En Uruguay a Martín Buscaglia, Ana Prada, Carlos Casacuberta, mi hermano Jorge, Samantha Navarro y muchos más. Pero repito, no es un movimiento. En casi todos los diarios de la región se ha comentado este fenómeno cultural que es el templadismo y los periodistas se esfuerzan por tratar de etiquetarnos. Me resisto a eso. No nos quieran acotar. No nos quieran poner en un molde, no, por favor. Mejor, déjense llevar y disfruten del viaje con nosotros.

¿Dentro de esta búsqueda está surgiendo su nuevo disco?

Pasa esto: a veces estoy presentando en vivo Micromundo pero en m cabeza está sonando mi próximo disco. Este disco va a ser un disco de canciones y va a ser un disco grabado en vivo. Vamos a grabar “en simultaneo” con toda la banda presente. Va ser en vivo, en un concierto pero sin público para captar el sonido espontáneo y natural de la banda tocando y la resonancia real de una sala de conciertos. Estoy muy interesado en volver al formato que utilicen Vacio, mi 3er disco. Micromundo fue un disco de grabaciones pro Overdub pero el próximo va a ser un disco en vivo, nuevamente.

¿Cuantas canciones?

Ya tengo unas 14 canciones de las cuales 7 u 8 ya están terminadas: estoy en pleno proceso compositivo y de ensayos. Probablemente entre diciembre y marzo del 2012 lo estaré grabando.

¿Sigue con su estilo o está cambiando?

Hay un hilo conductor entre mis 4 discos. Uno va creciendo y va incorporando nuevos lenguajes. En este caso puedo decir desde ya que va ser un disco más sobrio. Abrevando del Templadismo, busco una simplicidad y una claridad nueva. Según Vitor Ramil, la sobriedad también caracteriza nuestras expresiones culturales, somos sobrios. En el folklore argentino se nota mucho, esa sobriedad, pulcritud guitarristica, control de las emociones y en el cuidado de las formas. Vitor remarca que al estar en el sur del Brasil, el nota muy fuertemente el contraste con la expresividad exuberante del norte, de Río de Janeiro, Salvado o Recife por ejemplo. La nuestra es una sobriedad armónica y una sobriedad estética. En los colores que voy a utilizar en la paleta sonora de este disco estoy pensando que las canciones, básicamente, estén defendidas por piano, bajo o contrabajo, percusiones y guitarra.

¿Va a ser algo “simple” entonces?

Simple, sí, ¡con toda la complejidad de lo simple! Estoy buscando hacer algo así, algo que tanga mucho espacio, mucho aire, mucho rango dinámico. Como discos de referencia tengo desde Kind of Blue de Miles Davis hasta Délibáb de Vitor Ramil pasando por los discos de Joao Gilberto o los disco de Bjork.

¿Bjork?

Sí, en el sentido timbrico, no tanto en los sonidos electrónicos. De hecho, muchas cosas de Bjork que he escuchado últimamente, son acústicas, muy vocales, muy interesantes. ¡Y mucho espacio! Es lo que busco, ¡Espacio! ¡Claridad! Esa cosa que uno cierra los ojos y está en paisaje nórdico al escuchar a bjork pero incluso más allá, en es el sentido estético, una sensación de limpieza y fluidez, una sensación de dar en el blanco. Me interesa mucho ver atrás de lo que está haciendo el músico estás viendo también, te está llegando el paisaje desde donde se generó esa cosa que está cantando o diciendo. Eso hacemos con el templdismo, sin darnos cuenta: cantamos desde una visión urbana, a nuestro lugar, a nuestra forma de ser. Me siento parte de un proceso más grande que yo en el que me estoy moviendo con mucha comodidad.

¿Ya tiene nombre su nuevo disco?

“Mar Abierto “es el nombre, casi seguro. Me encuentro ene un momento en mi vida, a los 42 años parado en un lugar en donde el horizonte para mi tiene 360 grados. Y para donde me lleve el viento, para ahí estoy yendo. Es una sensación muy linda. Después de mucho tiempo de haberme sentido con muchas presiones y sufrimiento y desgastes, he llegado a un punto en el cual estoy abierto a lo que venga y con una gran s sensación de vitalidad y una gran sensación de posibilidades abiertas en cualquier dirección. Tengo 2 hijas, estoy esperando un nuevo hijo (o hija, no sabemos), finalmente puedo vivir de la música, he logrado poner ni profesión en un lugar de mi vida que realmente es el correcto y sin presiones que es la investigación de neurociencias, en fin, que me siento pleno y libre. Este disco e s claramente un reflejo de este momento que estoy viviendo de ahí lo de “Mar Abierto”. En este momento hago lo que se me antoja y que venga lo que venga.

Usted cuida mucho las letras de sus canciones, musicaliza poemas. Aparte de lo poético usted juega mucho con al temática científica en sus letras. ¿En este sentido, “Mar Abierto” que nos presenta?

La medicina me proporcionado una gran fuente de inspiración. Por ejemplo en Micromundo, que para mí en algunos aspectos está muy relacionado con el disco Quanta de Gilberto Gil, letras como, movimiento Browniano, el horizonte de sucesos o por ejemplo, “lo que siempre fue” que hablar de los Quarks, “la Incertidumbre” habla del Principio de Incertidumbre, “Descolgados” habla de los universos paralelos. Y estoy es inevitable, uno escribe de quien uno es, Yo soy músico pero también científico.

En Mar Abierto no va a ser así. La letras hablan de mis situación vital, del amor por mi mujer por mis, de mis nenas, de la felicidad, de mis amigos, etc. En las canciones los que hacés es contarles a los demás como ves vos el mundo.

Lo que nos está pasando a muchos músicos de mi generación es que nos dimos cuenta que nos formamos muchos años como músicos pero que habíamos descuidado totalmente nuestra formación literaria por así decirlo. Nunca estudié para saber escribir, si para saber componer o tocar la guitarra Por eso, en la actualidad, estoy redescubriendo el mundo de las letras. Estoy buscando poetas, leyendo mucho, estudiando. Las letras, la poesía es fundamental para la canción y me di cuenta que me gano la vida escribiendo canciones pero que nunca estudié como escribir. ¡Se me cayó la ficha!

Por ejemplo cuando estoy haciendo algo tonal en una canción se que lo estoy haciendo y cuando busco romperlo sé cómo hacerlo pero cuando escribo una letras o un poemas ya no me siento tan seguro porque no tengo el mismo nivel de preparación. Por ejemplo, recién me estoy entrando hoy de lo que es el verso libre y de lo difícil que es musicalizarlo. Martin Buscaglia está experimentando escribir en décimas, y otras formas antiquísimas pero adaptándolas al lenguaje contemporáneo y nuestro... Ese tipo de búsqueda te abre mucho el espectro creativo y ene so también estoy yo.

Últimamente me siento con más peso en lo que escribo como letrista o poeta que como compositor.

¿Usted es cantautor o cancionista?

No soy un cantautor, no me gusta ese término, no me gusta como suena. ¿Qué significa? Está ligado a una estética de izquierda, revolucionaria, de los años 60tas con al cual conviví pero yo ahora vivo en el 2011, el mundo cambió. Además es un España se equipara a una actitud de descuido por las formas, las técnica guitrristica que no me es agradable. Yo soy un cancionista. Ser un cancionista es una cosa diferente a ser un músico. Cancionista es una palabra que aprendí en Brasil y que pedí permiso para usarla y de ahora en adelante soy cancionista. Este concepto de “cancionista” hace énfasis hace énfasis en que vos so un cultor de un género que es un género maravilloso, atemporal, un genero hibrido que no es sin música ni poesía y todo al mismo tiempo y que tiene un poder enorme.
Los cancionistas somos “devotos de la canción”, como dice Gilberto Gil.

¿Su ideal sería: una luz, el escenario, usted y su guitarra y una canción y nada más?

Todavía no estoy pronto pero hacia ahí me dirijo…

Entrevista realizada por Eduardo Paz Carlson
la mañana del jueves 12 de mayo de 2011

versión publicada por el suplemento O2 de El Observador

sábado, 2 de abril de 2011

Entrevista con el Compositor uruguayo Héctor Tosar

vea los videos con música de H.Tosar en youtube que están en esta página

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ENTREVISTA CON HUGO FATTORUSO, O2, El Observador, 29 de abril, 2011

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Entrevista con el Compositor y Docente Luis Jure

(Entrevista realizada para O2 de El Observador. Se publicó un "resumen" de esta entrevista el 7 de abril)

Luis jure profesor adjunto del área de música y tecnología en el estudio de música electroacústica

Abriendo la temporada 2011 de conciertos del ciclo de música electroacústica, pianista y poeta estadounidense Oni Buchanan se presenta el 4 de abril en la sala de la Facultad de Artes de Montevideo. Luis Jure, compositor y docente del Estudio de Música Electroacústica, explica los detalles de este concierto y las singularidades de esta estética musical.

MUJERES ELECTROACÚSTICAS SONANDO EN URUGUAY POR PRIMERA VEZ

¿Cómo surgió la idea de realizar este concierto?

Oni Buchanan

Oni Buchanan es una pianista que tiene un especial interés en la música actual en particular de las compositoras estadounidenses del siglo XXI con el interés adicional de que su repertorio incluye no solo obras para piano solo sino también obras para piano y electroacústica. Al planificar la gira que está realizando en estos momentos por América del sur ella tuvo interés en incluir a Uruguay en la gira y buscando información sobre Uruguay encontró que aquí, en el eMe (Estudio De Música Electroacústica) trabajamos todo los que tiene que ver con la investigación, ejecución y composición de la música electroacústica y organizando conciertos y pensó que era el lugar natural para tocar en el marco e su gira. Se contactó con nosotros y la propuesta que nos hizo muy atractiva porque consistía en hacer un concierto integralmente con obras del siglo XXI para piano solo y otras mixtas.

Nosotros brindamos la infraestructura técnica para la parte electroacústica de su presentación.

Cindy Cox

Es el mismo programa que está haciendo en el resto de su gira latinoamericana.

Un atractivo adicional es que la compositora de una de las piezas, Cindy Cox, va a estar presente en el concierto. La consigna del concierto es: todas compositoras estadounidenses del siglo XXI.

¿Qué es lo que el público va a ver en el escenario?

El protagonista principal, como siempre, es el piano. En segundo plano, el sistema de reproducción de la parte grabada. Las piezas mixtas de piano y electroacústica la parte electroacústica está pregrabada o sea que simplemente vamos a reproducirla desde un disco compacto. En el escenario solamente veremos el piano y los parlantes.

Con este concierto se abre la temporada 2011 de conciertos de música electroacústica.

Exactamente y, unos poquitos días después, el jueves 7 y viernes 8 de abril, presentamos 2 conciertos de música electroacústica pura en el Museo de Artes Visuales del Parque Rodó. Las piezas de estos conciertos tienen un componente de mucho interés, algo único para nuestro medio: el público escuchará estas obras en el sistema octofónico de reproducción. También será de entrada libre.

¿Qué es el sistema Octofónico?

ejemplo de sistema octofónico, esquema

El sistema que escuchamos habitualmente es estereofónico, es decir, con 2 canales de reproducción del sonido: parlante izquierdo, parlante derecho. En la actualidad, sobre todo con el DVD y la parte más para video y películas, existe el 5.1 que son 5 parlantes. Es el sistema que utiliza los “Home Theater” por ejemplo. También se usa para audio solo.

El sistema octofónico que vamos a utilizar en los conciertos del 7 y 8 de abril cubre los 360 grados en un octógono alrededor del público. Esto permite una experiencia de la espacialidad de la música de una dimensión nueva para el oyente uruguayo.

¿El público va a estar en el centro de la sala?

Sí, el público está en el centro. No hay un escenario a dónde mirar.

Este tipo de configuración de 8 parlantes entorno a la audiencia obliga a que el espacio útil para colocar al público sea reducido. Porque para percibir equilibradamente la espacialidad del sonido hay que limitar el área de audición: el público debe estar sentado lo más cerca posible al centro del octógono. Si la audiencia es muy grande, indefectiblemente una parte de los oyentes no van a poder escuchar todos los canales. Por lo tanto, la capacidad va a ser limitada. No vamos a poder dejar entrar a cientos de oyentes, lamentablemente.

Van a ser 2 funciones, la las 20 y 21 hrs. En la propia planta baja del Museo.

El público puede sentarse y cerrar los ojos… escuchar, dejarse llevar…

Es así... Aquí el oyente va a tener que ver la música en su mente. Aquí no hay ejecutantes sobre un escenario. El sonido lo envolverá y se lo llevará, quién sabe a dónde…

El público no está acostumbrado a ir a una sala a este tipo de conciertos aunque, sin saberlo, escucha este tipo de música todo el tiempo, sin darse cuenta.

Es verdad. Uno piensa que este tipo de música no se conoce o que tiene poca difusión pero en realidad la mayoría de la gente, por no decir toda, la consume, está expuesta a ella de forma inconsciente. La gente la recepciona naturalmente, sin trauma: en bandas sonoras de películas, series de Tv, dibujitos animados, todo tipo de expresiones audiovisuales, juegos de computadora, los sonidos de los celulares, etcétera. El cine también ha acercado esta música a la gente.

Un ejemplo histórico es la película FORBBIDEN PLANET (1956). Es la primera película en la que toda la banda sonora fue estrictamente electroacústica. La repiten cada tanto en el canal de cable TCM. ¡Pero hay muchos ejemplos más!

Con la música serial o música atonal pasa algo parecido: si la escuchamos en un disco nos parece rara pero como banda de sonido de una película de terror funciona perfectamente. Un famoso ejemplo es THE WOLF MAN de 1941 en la que participaron los compositores estadounidenses Hans J. Salter (1896- 1994) y Frank Skinner(1897-1968)

¿Entonces, quien decida ir a estos conciertos debería ir preparado para vivir una experiencia auditiva diferente?

El concierto de Oni Buchanan va a ser, si se quiere, el más tradicional en cuanto a la relación publico-interprete. La pianista va a comentar con la audiencia las obras que interprete así que es posible que se entable un dialogo, no lo sabemos.

En los conciertos en el Museo de Artes Visuales, yo voy a realizar una corta instrucción, una presentación de las piezas.

Iannis Xenakis

Con obra de Iannis Xenakis por ejemplo, La Légende d'Eer (1977-78), que presentamos en la versión en 8 canales y que es la primera audición para el Uruguay, estoy seguro que va a sorprender gratamente al público.

Se trata de una pieza tremenda, monumental y también histórica. Es la obra que compuso para la inauguración del Centre Pompidou.

Esta música que llamamos electroacústica y que ha evolucionado por casi un siglo, ha eliminado la distancia entre sus creadores y el público porque su estética ya no es futurista, es actual: es el sonido de hoy. Representa el momento cultural y tecnológico que vivmos y que se corresponde con todo el resto de nuestras experiencias cotidianas. No es una música rara ni extraña, al contrario, creo que es la música que refleja nuestra realidad diaria.

John Chowning

La música de Chowning por ejemplo,y que se llama Computer Music era creada en los 60tas y 70tas, con computadoras enormes que ocupaban habitaciones enteras y que solo existían en las universidades más avanzadas. En esas épocas los sonidos que producían no formaban parte de universo vital de capa persona. Hoy, en cada hogar hay una computadora y en la calle, en los medios e comunicación suenan naturalmente sonidos que provienen de esas primeras exploraciones de Chowning y otros compositores-inventores-ingenieros del siglo XX.

Por lo tanto, me parece que las personas que nunca antes acudieron a este tipo de evento musical no van a sentirse ni fuera de lugar ni incómodas, todo lo contrario, creo que la van a pasar muy bien, se van a divertir y van a poder soltar su imaginación con los sonidos electroacústicos que los van a envolver.

EPC, 26 marzo de 2011

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